توپ تو کون مادرت

2021-09-04 13:31:14 تن صدا چیست

انسان در گلوی خود دارای تارهای صوتی است و به همین دلیل، امکان تولید صدا برای او، کار سخت و دشواری نیست. انسان با تارهای صوتی خود می‌تواند بخواند، فریاد بزند، گریه کند و آوازهای دل انگیز بخواند. بی شک، افرادی که شغل خوانندگی را انتخاب می‌کنند، موقعیت شغلی خود را مرهون تارهای صوتی خود هستند. به بیانی ساده تر، صدای انسان از صوت ساخته شده است که تارهای صوتی نقش موثری در تولید آن دارند. آواری دمی نام دیگر تارهای صوتی است و صحبت کردن روزانه هر روزمان با ارتعاش تارهای صوتی‌مان انجام می‌دهیم. درست است که تارهای صوتی وسعت آن‌چنانی ندارند، اما کاربرد پذیری آن‌ها ما را وادار کرده تا همواره مراقب سلامتی تارهای صوتی گلوی‌مان باشیم.

شروع ساختن صدای انسان با تارهای صوتی صورت می‌گیرد، اما ادامه روند تولید صدا به ریه، تارهای صوتی حنجره هر فرد و مفاصل باز می‌گردد. در واقع ریه باید بتواند جریان هوای لازم را برای ارتعاش و به صدا در آمدن تارهای صوتی را به حرکت درآورد. هنگامی پالس‌های حاصل از حنجره قابل شنیدن هستند که ریه بتواند هوای لازم برای تولید صدا از یک منبع خوب را تامین کند. در ادامه مسیر، عضلات قوی حنجره این توانایی را دارند تا با تغییراتی که در طول و تنش تارهای صوتی ایجاد می‌کنند، تن صدایی شما تنظیم شود و به گوش سایر افراد برسد.

همان‌طور که گفتیم، بخش‌هایی از دستگاه صوتی که در بخش بالایی حنجره قرار دارند، در تولید و نشر صدای نشئت گرفته از حنجره تاثیر دارند. زبان، کام، لب‌ها و گونه افراد، همان بخش مفاصلی هستند که در پاراگراف پیش ذکر کردیم. در حقیقت، این اعضا به عنوان فیلتر کننده صدای حاصل شده از حنجره شناخته می‌شوند. تضعیف یا تقویت جریان هوای حنجره با مشارکت مفاصل امکان پذیر می‌باشد. هنگامی که تارهای صوتی با مفاصل ترکیب می‌شوند، تولید آرایه‌های بسیار پیچیده ممکن خواهد بود. نا گفته نماند که تن همان لحن صدای آدمی است. تن صدای انسان نشان دهنده احساسات متفاوت وی می‌باشد. خشم، شادی و تعجب در تن صداهای انسان به خوبی قابل تشخیص است. به احتمال زیاد بارها پیش آمده که با حرف زدن فرد مقابل‌تان، متوجه شده باشید که احساس او چگونه بوده است. به همین دلیل، تن خواننده موسیقی‌هایی که می‌شنویم در شکل گیری و ایجاد حس‌های درونی ما موثر واقع می‌شوند.


نه تنها تن صدا در خوانندگی تاثیر گذار است، بلکه سخنرانان هم باید نسبت به تن صدایی که دارند، مراقبت کنند. تن صدا در بر قراری ارتباط پر شور و عمیق یا رفتارهای نشئت گرفته از عصبانیت موثر می‌باشد. تن صدا همان چیزی است که احساس درونی ما را در محیط خارجی نشان می‌دهد. همچنین، تن صدا باعث می‌شود تا دیگران درباره احساسی که نسبت به خواندن شعر موسیقی دارید، نظر بدهند.

اکنون فکر کنید که شغل شما خوانندگی است. آیا وجه تمایزی به تن صدای شما و سایر خوانندگان وجود دارد؟ مخاطبان شما قادر هستند تا به آسانی صدای شما را از سایر خوانندگان در یک نوع حوزه موسیقی تشخیص بدهند؟ درست است، تن صدای شما در خوانندگی سبب ایجاد وجه تمایز در بین سایر خوانندگان هم نوع شما می‌شود. علاوه بر این، با تقویت تن صدایی خود می‌توانید تک تک روحیاتی که دارید، به شنوندگان موسیقی‌های خود نشان دهید و احساسات آن‌ها را برانگیزید. به عبارت دیگر، تن صدایی یک خواننده نشان دهنده احساست و شخصیت درون او است. در ادامه به طور خلاصه چندین راهکار برای تقویت تن صدایی یک خواننده ارائه می‌دهیم. البته در رابطه با تقویت صدای خواننده در مقاله دیگری، به طور کامل صحبت کرده ایم و در این‌جا نکات را بصورت کلیدی بازگو می‌کنیم.

راهکار برای تقویت تن صدا

به فرد سخن‌ور و افرادی که مدام سخنرانی می‌کنند، به خوبی گوش کنید.
حنجره‌تان را قوی کنید.

تمرینات لازم برای پر حجم کردن صدا را بطور مکرر انجام بدهید.

برخی از خوراکی‌ها به بهبود تن صدایی شما کمک می‌کنند. (تاثیرات آن‌ها را دست کم نگیرید!)

حواس‌تان به آب بدن باشد. (نباید آب بدن‌تان کم باشد.)

از خوردن غذاهای سنگین بپرهیزید!
برنامه غذایی خود را ناگهانی و از پیش تعیین شده، تغییر ندهید.

یک خواننده با تن صدایی فوق‌العاده، سیگار نمی‌کشد.

برای کارکرد بهتر ارگان‌های بدن لازم است تا در ابتدای صبح اولین چیزی که میل می‌کنید، آب سالم و ولرم باشد. (خوردن آب برای یک خواننده در طول روز از اولویت‌های او برای افزایش سلامتی خود است.)

‌‎ @HipHop_Tak باز کردن / نظر دهید

2021-08-30 23:50:28 برای این که بتوانید ترک هایی خاطره انگیز، داینامیک و جذاب بسازید، درک این که چه المان هایی باعث ساخته شدن یک ملودی فوق العاده می شوند درست مانند داشتن درک درستی از ساختن بیت ها، میکس کردن وکال یا هر بخش دیگری در تنظیم موسیقی ضروری است. در این مقاله متُدی را به شما معرفی خواهیم کرد تا به تدریج بتوانید هوک، لید یا المان های ملودیک اصلی را معرفی کنید تا شنونده منتظر رسیدن این قسمت ها باشد و نسبت به ادامه ی آهنگ کنجکاو شود.


مرحله ی اول:

کار را با یک خط ملودی و ترک های همراهی کننده شروع می کنیم. ملودی، آکوردهای همراهی کننده، ساختار بیت و تمام المان ها چیده شده اند و با هم اجرا می شوند. اما قطعا چنین قسمت شلوغی نمی تواند در ابتدای قطعه قرار بگیرد. شما برای رسیدن به این پارت باید مقدمه چینی کنید.


مرحله ی دوم:

تنها المان هایی که هوک را اجرا می کنند را در چند میزان عقب تر کپی کنید. اولین المان، صدای پیانوی هاوس است و کار را با همین المان شروع می کنیم، نت های سنکوپ شده ی بین نت های ملودی را حذف می کنیم تا خط ملودی بسیار خلوت تری را ایجاد کنیم.


مرحله ی سوم:

افزایش دادن دیلی روی این صدا باعث می شود هر قطعه از ملودی برای زمان بیشتری قابل شنیدن باشد. با اضافه کردن دیلی فضای خالی بین خطوط ملودی هوک را پر می کنید و نوعی انتظار را در شنونده بوجود می آورید.


مرحله ی چهارم:

حالا نوبت به معرفی صدای سینتی سایزر می رسد که نت هایی مشابه با نت های ترک پیانو دارد. در این مثال از پلاگین FilterFreak استفاده کرده ایم و یک فیلتر low-pass را روی آن قرار داده ایم تا صدا در ابتدا تیره تر از پیانو باشد و پایین تر از آن قرار بگیرد، سپس زمانی که ترک به نقطه ی اوج رسید، این فیلتر باز می شود و شنونده صدای سینتی سایزر را به صورت کامل خواهد شنید.


مرحله ی پنجم:

حالا بیس لاین را معرفی می کنیم که در همان نقطه ی شروع پارت سینتی سایزر آغاز می شود، پس از گذشت چهار میزان از شروع پارت پیانو. بیس لاین، تحرک الگوی سنکوپ شده را اضافه می کند و پیش از شروع بیت به ترک انرژی می دهد.


مرحله ی ششم:

حالا زمان مناسبی برای اضافه کردن چند افکت برای انتقال به بخش بعدی قطعه است. استفاده از یک white noise، قرار دادن یک فیلتر low-pass روی آن و باز کردن تدریجی فیلتر پیش از شروع قسمت Drop می تواند حالت انتظار بیشتری را در شنونده ایجاد کند. در این جا حتی می توانید ملودی هوک اصلی را با زمانی دو برابر سریع تر اجرا کنید.

  @HipHop_Tak باز کردن / نظر دهید

2021-08-27 20:34:35 ریتم یکی از جنبه‌های اصلی تئوری موسیقی هست . برای ایجاد یک ملودی و هارمونی تاثیرگذار و عالی ، باید بدونید که ریتم چطور کار میکنه و چطور در آهنگ‌های شما استفاده میشه .

ریتم از اون مفاهیمیه که برای فهمیدنش اگه خیلی تخته گاز بریم جلو خیلی زود پیچیده میشه براتون ، امّا اگه همون اوّل چندتا مفهوم ساده رو خوب متوجه بشید می‌بینید که خیلی درکش براتون راحت‌تر میشه .

در این پست همه مواردی رو که برای شروع استفاده از ریتم‌های معمولی و ترکیبی (ریتمیک و پلی ریتمیک) که تو پروژه‌هاتون نیاز دارید رو باز می‌کنیم .

ریتم چیست ؟

ریتم روشیه که موسیقی رو به ضربان یا ضرب‌های منظم تکرار شونده (مثل ضربان قلب یا تیک تاک ساعت) تقسیم میکنه .حالا این ضرب‌های تکرار شونده ، تو بسته‌های چندتایی قرار میگیرن که به این بسته ها می‌گیم میزان یا Bar ، مثلاً تیک تاک رو اگه در نظر بگیرید میشه یک میزان دو ضربی متشکل از دو ضرب تیک و تاک . که فاکنور سرعت یا تمپو رو هم می‌تونیم به این داستان اضافه کنیم که این تعیین میکنه این ضرب‌ها با چه سرعتی پشت سر هم تکرار بشن .

ریتم چیزیه که باعث میشه نوازنده‌های مختلف که دارن با هم یه آهنگی رو اجرا می‌کنن ، از نظر تایم و زمان باهم هماهنگ باشن مثل حضاری که تو یه جمع وقتی یه آهنگ پلی میشه بصورت ناخودآگاه همزمان و هماهنگ با هم دست میزنن . ریتم یه چیز ناخودآگاهه که تمام انسان‌ها بصورت غریزی درکش میکنن .

برای یادگیری ریتم ، ۴ تا مفهوم اصلی هست که باید یاد بگیرید :

ضرب‌ها و نت‌ها
میزان‌ها و کسر میزان
ریتم‌های قوی و ضعیف
وزن‌های دوتایی و سه‌تایی

وقتی به این چهار مفهوم اصلی تسلط پیدا کنید ، می‌تونید قدرت و خلاقیت بیشتری در آهنگسازی پیدا کنید و از ریتم‌های مختلف در آهنگ‌هاتون استفاده کنید و کارهای متفاوتی خلق کنید .


درباره نحوه خوندن ریتم‌های موسیقی و وزن‌خوانی خیلی مراحل و تمرینات رو باید پشت سر بذارید . امّا اساس اینکه بتونید ریتم‌ها رو درک کنید اینه که نت‌ها رو بشناسید . هر نت موسیقی نشان‌دهنده مدت زمان نسبی هست که یک صدا نواخته میشه که پایین‌تر کاملاً راجبش توضیح میدیم امّا بدونید این نتی که الآن داریم راجبش حرف می‌زنیم با اون نت‌های دو رِ می فا سُل لا سی که قبلاً یاد گرفتید فرق داره .

میزان و کسر میزان

کسر میزان و انواع میزان ها در موسیقی در واقع همان الگوهای منظم و یا نامنظم زمانی هستند که افراد می توانند بر طبق آن اقدام به نواختن موسیقی کنند. در حقیقت الگوهای منظم هرگاه پشت سر یکدیگر تکرار شوند قادر خواهند بود به موسیقی وزن و ریتم خاصی دهند.

یه ضربان منظم در پشت پرده تمام موزیک‌ها وجود داره و در بازه‌هایی خاص به اسم میزان دسته بندی شدن. 

در موسیقی غربی ، کسر میزان یه آهنگ تعیین میکنه که در هر میزان چندتا ضرب داریم و تمپو هم سرعت ضربان رو مشخص میکنه .

نوع تپش یا ضربان با یه کسر نشون داده میشه که بهش می‌گیم کسر میزان . یک نماد کسری که هم تعداد ضرب در هر میزان رو نشون میده و هم نوع ضرب که میگه این ضرب بر حسب کدوم یک از نت‌های ارزش زمانیه که بالا باهاش آشنا شدیم .

رایج‌ترین ریتم در موسیقی ، ریتم ۴/۴ هست : عدد ۴ در بالای کسر به ما میگه که در هر میزان از این ریتم ، ۴ ضرب وجود داره و عدد ۴ در پایین کسر هم به ما میگه که نوع ضرب‌ها از نوع نت سیاه هستند یعنی ۱/۴ نت گرد ( ۴ تا نت با ارزش زمانی ۱/۴ نت گرد )

البته که به غیر از کسر میزان ۴/۴ ، کسر میزان‌های زیاد دیگه‌ای هم در موسیقی وجود داره مثل : ۶/۴ – ۱۲/۱۶ – ۳/۴ – ۶/۸

ضرب‌های قوی و ضعیف

بسیار خب ، حالا که می‌دونید کسر میزان چطور کار میکنه و نحوه قرارگیری ضرب‌ها در میزان چطوریه ، بیاید نحوه کار ریتم در یک میزان رو هم بررسی کنیم .

در داخل یک میزان یا Bar ، ضرب‌های قوی وجود داره که به آهنگ جون میده و اصطلاحاً اون رو درایو میکنه و همینطور ضرب‌های ضعیف هم وجود داره که ضربان خنثی دارن و اون جریان رو خنثی میکنن . این ایجاد تنش و بعد خنثی شدن چیزیه که یه میزان رو مشخص میکنه و شنیدن و تشخیص ریتم رو راحت میکنه .

اگه کسر میزان ۴/۴ رو در نظر بگیریم ، ضرب‌های قوی روی نت‌های سیاه اوّل و سوّم زده میشن و ضرب‌های ضعیف هم میفتن روی نت‌های دوّم و چهارم .

در کسر میزان ۳/۴ هم ضرب قوی روی نت سیاه اوّل قرار میگیره و ضرب ضعیف هم مربوط میشه به نت‌های دوّم و سوّم . . .

این قوی و ضعیف بودن ضرب رو هم با معیارهای مختفی مثل میزان بلندی صدا و شدت بیشتر ضربه زدن به سیم‌های گیتار و کلاویه‌های پیانو میشه نشون داد و مشخص کرد . تو نرم ‌افزار آهنگسازی هم معمولاً با velocity این تنش ها رو ایجاد میکنن .

وقتی بدونید که ضرب‌های قوی و ضعیف چطور در یک میزان موسیقی قرار میگیرن ، می‌تونید اونها رو توی هر آهنگی تشخیص بدید . ( البته آهنگ‌های استاندارد )

  @HipHop_Tak باز کردن / نظر دهید

2021-08-23 11:45:25 صداسازی چیست

صداسازي علم يا به عبارتي بهتر مجموعه تماريني است که براي بهبود و توسعۀ صداي يک خواننده، قاري، مداح، گوينده و هرکسي که از صداي خود استفادۀ حرفه‌اي مي‌کند، طراحي و گردآوري شده است. يعني در حين تمارين صداسازي،  شخص بايد با آگاهي  و استفاده از تکنيک‌هاي مختلف و متنوع که مربي صداسازي به او آموزش مي‌دهد با کمترين ميزان فشار به تارهاي صوتي و عضلات و ماهيچه‌هاي درگير در توليد صدا، بهترين و زيبا‌ترين صدا را توليد کند. اين تمرينات صداسازي از نظر افزايش گسترۀ صوتي، وضوح صدا، شفافيت، راحتي در توليد و کنترل و تنظيم تنفس به هنرجويان آواز و صداپيشگان کمک خواهد کرد. 

آیا صداسازی هر سبک موسیقی متفاوت است ؟

دقیقا همان طور که در مسیر آموزش تحصیلی در مقاطع دبستان و راهنمایی و تا حدودی دبیرستان همه ما درس‌های مشترک و پایه علمی یکسانی داشتیم در صداسازی هم مسیر به همین منوال است . 

در ابتدای راه همه با هم در مورد اصول ابتدایی و تاثیر تمرینات و اطلاعات صوتی رجیسترهای مختلف و …  صحبت می‌کنیم و بعد با گذراندن دوره‌های ابتدایی به مرحله انتخاب سبک آواز می‌رسیم و بعد از مشخص شدن سبک آوازی، تمرینات اختصاصی آن سبک را ادامه می‌دهیم. مطمئنا کسی که قرار است خوانندۀ متال باشد با یک قاری اهداف صوتی متفاوتی دارد اما نکته‌ای که بارها یادآور شدم این است که در ابتدا همه باید از اصول و نحوۀ درست تولید صدا شروع کنیم. چرا که یک خوانندۀ متال می‌تواند با آگاهی از سیستم حنجره خود صداهای خشن و هارش و اسکریم را طوری تولید کند که کمترین فشار به حنجره‌اش بیاید و یا یک خواننده آواز سنتی بتواند تایم آوازی خود را چند ساعت افزایش دهد. صداسازی به این معنی نیست که ما دقیقا شبیه الگوهای ذهنیمان بشویم بلکه قرار است بهترین صدای خودمان را با استفاده از تمام توانایی حنجره خودمان تولید کنیم.


 تاثیر صداسازی در رسیدن به صدای ایده‌آل :

صداسازي درست مي‌تواند گسترۀ نت‌هاي توليدي شما را افزايش دهد، نه تنها فقط اوج که هدف بسياري از خوانندگان است بلکه نت‌هاي بم را هم با يادگيري و اگاهي از تکنيک‌هاي کاربردي تقويت و گسترش مي‌دهد. صداسازي حرفه‌اي و درست مي‌تواند فشار را از روي تارهاي صوتي و حنجره کمتر کند و با استفاده از جايگاه‌هاي تشديد صداي شخص را تقويت کند. آموزش صداسازي مي‌تواند با استفاده از الگوهاي درست و هدفمند با تنظيم و کنترل جريان هوايي و تنفس، بيشترين بهره‌بري از ميزان نفس را داشته باشد. صداسازي مي‌تواند با تمرينات علمي فشار‌ها ماهيچه‌ها و عضلات کنار حنجره و دخيل در توليد صدا را تا حد ممکن کاهش دهد و از انقباض و تنش بيش از حد جلوگيري کند. 


بسياري از تکنيک‌هاي مورد استفاده در صداسازي برپايۀ  تلاش‌ها و تحقيقات اساتيد و دانشمنداني ساخته شده است که در حيطۀ حنجره و يا گفتاردرماني فعاليت مي‌کردند و علاوه‌بر آن به خاطر مشکلات متعدد خوانندگان  قبل و بعد از اجرا، دغدغۀ جديدي براي اصلاح و کاهش آسيب‌هاي صوتي به وجود آمد. بعدها با نزديک‌تر شدن اين دو قشر ، خوانندگان و پزشکان حنجره و گفتار کم کم آواها و صداهايي را به صورت تمرينات صداسازي پايه‌ريزي کردند که هر کدام تاثيري در سيستم توليد صدا دارند و مي‌توانند براي طي مسير خوانندگي همراه و ياري‌کننده خوانندگان باشند و يا خوانندگاني بودند که بعد از رسيدن به مشکلات در توليد صدا و آسيب‌ها، به فکر دستيابي راههايي غير از فرياد زدن و خواندن آهنگ‌ها بودند. 

پس در واقع صداسازي علمي است ميان رشته‌اي و بسيار وسيع. به همين منظور کساني در دنيا موفق‌تر بودند که در کنار اساتيد و مربيان آواز با پزشکان و اساتيد دانشگاهي هم در ارتباط بودند و يک برنامه جامع و کامل براي هر خواننده يا صداپيشه در نظر مي‌گرفتند. از چند جنبه فيزيولوژي، تکنيکي و حتي روحي رواني هم افراد رو مورد مطالعه قرار مي‌دادند. توصيۀ ما براي تمام خوانندگان و صداپيشه‌ها اين است که در کنار کار حرفه‌اي خود با يک مربي صداسازی آگاه و هوشمند و باتجربه به افزايش توانايي‌هاي صوتي و کاهش آسيب‌هاي حنجرۀ خود کمک کنيد.

@HipHop_Tak باز کردن / نظر دهید

2021-08-19 22:33:27 Soundcloud rap
دوستان Soundcloud پلتفرمی است که امروزه بسیاری از رپرها برای ارائه موسیقی خود و جذب هوادار از آن استفاده می کنند.
این یک پلتفرم پخش موسیقی رایگان است که در آن هر کسی می تواند آهنگ های خود را پست کند ، بازخورد دریافت کند و فالوور خود را پیدا کند. به همین دلیل جای تعجب نیست که Soundcloud بسیاری از هنرمندان و یک زیر سبک در موسیقی رپ به وجود آورده است. از آنجا که این پلتفرم رایگان است ، رپرهای Soundcloud جای زیادی برای آزمایش و محک زدن خود دارند. اگر چیزی وجود دارد که رپرهای موفق Soundcloud را متحد می کند ، میزان تولید آنهاست - این هنرمندان آهنگهای زیادی را روی پلتفرم قرار می دهند. آرتیست هایی از جمله : Lil B, Yung Lean, Lil Ugly

Hyphy
در طی ظهور هیپ هاپ نیویورک در دهه ۹۰ در جای دیگری در ساحل غربی در Oakland سبک دیگری در حال تولید بود - این جایی است که ژانر hyphy متولد شد. این سبک با تولیدکنندگانی مانند Dr. Dre و G-Funk در دهه ۹۰ مشهور است. تولید کنندگان اصلی آن Too $hort و E-40 هستند که هر دو موسیقی سرگرم کننده ای را ایجاد کردند. آرتیست هایی از جمله : Too $hort, Keak Da Sneak

20. Lo-fi hip-hop
تنها سبک هیپ هاپ کاملاً instrumental این لیست ، سبک lo-fi hip-hop است. به این دلیل که این سبک در حال حاضر محبوب ترین ژانر هیپ هاپ instrumental است.
این ژانر در پلتفرم YouTube به محبوبیت فراوانی رسید که به نظر می رسد از سبک boom-bap الهام گرفته است. میکس های این سبک ممکن است بسیار طولانی مدت باشد و مثلا به مدت ۲ ساعت ادامه پیدا کند
آرتیست هایی از جمله : J Dilla

G-funk
ممکن است یکی از معروف تر ژانرهای هیپ هاپ باشد زیرا در اواخر دهه ۹۰ و اوایل ۲۰۰۰ جهان را به طوفان کشاند.
مهمترین تولید کننده آن Dr. Dre است ، که با تولید بی نظیر درام الکترونیک و ایجاد یک صدای کاملا جدید ، هیپ هاپ و فانک را با هم ترکیب کرد. به دلیل استفاده از تعداد زیادی سمپل گیتار ، سینتی سایزر و درام الکترونیک با دستگاه های درام ماشین مشهور است. آرتیست هایی از جمله : Ice Cube, Snoop Dogg, Dr. Dre

Footwork
زیر سبک مدرن هیپ هاپ است ، زیرا بسیار منحصر به فرد است و هیچ چیز سبک دیگری شبیه به آن نیست. به خاطر ریتم BPM بسیار سریع جالب است و محدودیت های دام کلاسیک و آکوستیک را ندارد. آرتیست هایی از جمله : DJ Paypal, DJ Spinn, DJ Taye

@HipHop_Tak باز کردن / نظر دهید

2021-08-19 22:33:25 Crunk
یک ژانر فوق العاده از رپ است که در سال ۲۰۰۰ در فلوریدا و مناطقی از ایالت های جنوب غربی امریکا ظاهر شد. سبکی جالب از رپ است زیرا این سبک بی نظیر و متفاوت از اکثر انواع دیگر رپ به نظر می رسد. پیش درآمدی از Trap مدرن بوده که هم اکنون بسیار محبوب است. این سبک از HiHat های سریع و کیک و بیس های بووم استفاده می شود.
اما آنچه که Crunk را به سمت بالا هل می دهد ، ویژگی های وکال آن است . اغلب وکالیست ها در این سبک با صدایی بلند و قوی می خوانند که تقریباً به نظر می رسد در حال جیغ زدن در میکروفون هستند. آرتیست هایی از جمله : Lil Jon, Lil’ Scrappy, Soulja Boy

Drill
یکی دیگر از سبک های رپ Trap است که از اواخر سال ۲۰۱۰ وارد جریان موسیقی می شود.
تولیدکنندگانی از شیکاگو به نام های Young Chop و Chief Keef خلق کننده این سبک هستند که از سبک Trap الهام گرفته اند و استفاده زیاد از HiHat های سریع ، سینت پدها (Synth Pad) و سمپل سازهای بادی خشک Horn این سبک را متمایز کرد. این سبک به gangsta rap و boom-bap شباهت دارد. آرتیست هایی از جمله : Chief Keef, Young Chop, Pop Smoke

Emo rap
از اشعار Kurt Cobain ، ملودی های مات و مبهم و توسط هنرمندان neo-R&B مانند T-Pain الهام گرفته است. به طور طبیعی ، emo rap بیشتر با محتوای شعر آن تعریف می شود. هنرمندانی مانند Lil Uzi Vert که در مورد درد شخصی خود می خوانند. آرتیست هایی از جمله : Lil Uzi Vert, Juice WRLD, XTentacion

Grime
زیرسبکی از هیپ هاپ است که از انگلستان می آید. به دلیل میکس هیپ هاپ با موسیقی الکترونیک و به ویژه موسیقی UK Garage ، شناخته شده است. در سبک Grime به وفور میتوان صدایهای از Synth و Pad شنید. فراتر از سبک موسیقی ، Grime بیش از همه به دلیل شعر ، کلامات و معنی که دارد ، به شدت به گویشهای خاص انگلستان و از مناطقی از لندن ، مشهور است. آرتیست هایی از جمله : Skepta, JME

UK Drill
بر اساس سبک Trap و موسیقی Drill شیکاگو تأثیر می گیرد. این ژانر بسیار جدیدی است که در سال 2019 مورد توجه قرار گرفت. رپر ، Stormzy و آهنگساز AXL Beats از بزرگترین هنرمندان این ژانر هستند. بهترین روش برای توصیف UK Drill این است که از سبک UK Grime الهام گرفته ولی با صدایی متمایز در ریتم درام. آرتیست هایی از جمله : Stormzy, Skengdo

Bounce
ممکن است نیویورک به دلیل اختراع هیپ هاپ اعتبار کسب کند ، اما این تنها مکانی نبود که در اوایل دهه ۹۰ هیپ هاپ در جریان بود. در نیواورلئان ، جنبش متفاوتی در حال شروع بود - Bounce پاسخ آرتیست های جنوب شهر به آنچه در شمال اتفاق می افتاد بود. در مقایسه با هیپ هاپ سر سخت نیویورک ، Bounce سرگرم کننده بود. همچنین در تلفیق موسیقی Soul و R&B با موسیقی هیپ هاپ پیشگام شد و بسیاری از آرتیست های برجسته ای که می توانستند هم آواز بخوانند و هم رپ کنند ، حضور داشت. Magnolia Shorty یک نمونه عالی است.
این یک ژانر جنوبی است که هیپ هاپ جنوبی را به دنیا آورد و به هنرمندانی مانند Lil John و Three 6 Mafia. الهام داد. آرتیست هایی از جمله : JUVENILE, Magnolia Shorty, DJ Jubilee

Horrorcore
برخلاف Bounce ، سبک Horrorcore ژانری تاریک است . گروه Three 6 Mafia در سبک Horrorcore معروف است و اگر آلبوم Mystic Styles 1995 آنها را گوش دهید و خواهید فهمید که چرا این موسیقی به عنوان الهام اولیه موسیقی Trap به حساب می آید.
این سبک موسیقی زننده و بُرنده است به نظر نمی رسد از نیویورک باشد - کاملاً روشن است که ریشه جنوبی دارد و از شهر هایی مانند Memphis و Houston آمده است. آرتیست هایی از جمله : Three 6 Mafia, Geto Boys


Latin trap
سبک Latin trap ترکیبی از موسیقی reggaeton و trap است. در موسیقی latin trap ریتم های reggaeton به همراه صداهای سنگین 808 و HiHat های trap را خواهید شنید. latin trap غالباً به زبان اسپانیایی خوانده می شود. آرتیست هایی از جمله : Bad Bunny, Rosalia

Conscious hip-hop
همزمان با اوج گیری boom-bap در اواسط دهه 90 رشد کرد - اما تمرکز آن به مسائل سیاسی بود از جمله آشوب های سال ۱۹۹۲ در LA.گروه هایی مانند A Tribe Called Quest و NWA شاهد خشونت پلیس در برابر جوامع سیاه پوستان بود و برای بیان خشم خود موسیقی نوشتند. سنت گفتن حقیقت را در رابطه با مسائل آن زمان در هیپ هاپ را آغاز کرد و راه را برای هنرمندانی مانند Common و Kendrick Lamar هموار کرد. آرتیست هایی از جمله : Public Enemy, Jungle Brothers, The Roots

@HipHop_Tak باز کردن / نظر دهید

2021-08-19 22:33:20 تقریباً ۴۰ سال پیش ، هیپ هاپ متولد شد. از آن زمان به بعد ، رپ در زیر سبک ها و استایل های بی شماری منفجر شد. امروزه هیپ هاپ و رپ در زیر سبک های کاملاً متفاوتی شنیده میشود ، حتی اگر هنوز از اصول اصلی قافیه و ضرب پیروی کنند. از روزهای ابتدایی هیپ هاپ زیرزمینی نیویورک گرفته تا قافیه بازی در UK Drill ، تنها چیزی که در موسیقی هیپ هاپ و رپ ثابت بوده ، تغییر و تکامل است ، خصوصاً با پیشرفت تکنولوژی.

در این مقاله به طور خلاصه ژانرهای مهم را بررسی خواهیم کرد ، و سپس میتوانید شخصا هر ژانر را با جستجوی بیشتر و به طور عمیق تر مورد بررسی قرار دهید .

Old school
بیشتر اواخر دهه ۷۰ تا اواسط و اواخر دهه ۸۰ میلادی را در بر می گیرد. هیپ هاپ در نیویورک متولد شد ، و طبیعی ست ، اکثر هنرمندان Old School از این منطقه آمده باشند. اما به طور کلی فقط نیویورک نیست که در دهه ۸۰ هنرمندان در این ژانر را به دنیای موسیقی معرفی کرده باشد. آرتیست هایی از جمله : Sugar Hill Gang, Tupac, Slick Rick

Boom-bap
نام خود را از صدای درام که برای تولید ریتم استفاده میشود گرفته است. این زیر سبک Old School هیپ هاپ در اواسط دهه ۹۰ از صدای Kick و Snare سنگین و محکمی استفاده می کرد که با صدای Hi Hats ترکیب میشد و در نهایت ریتمی واضح و سنگین را در موسیقی به وجود می آورد. به طور کلی نمونه ای بارز بیت سازی بود. بسیاری از تولیدکنندگان در آن دوره ، بخشهایی از موسیقی Soul و Funk را از روی دیسک های Vinyl نمونه برداری میکردند و با درست کردن لوپی هیپنوتیزم کننده ، پانچی و حجم صدای بالا ، آنرا جهت خواندن بر روی آماده میکردند.
این سبک تولید beat بود که در نهایت تأثیر بسزایی در روند چگونگی تکامل موسیقی رپ گذاشت. این سبک هنوز هم یکی از محبوب ترین و مورد احترام ترین سبک های رپ است. آرتیست های Boom-bap از جمله : Nas, Wu-Tang Clan, Mobb Deep

Jazz rap
زیر سبک Jazz rap ارتباط نزدیکی با دوران رونق Boom-bap در موسیقی هیپ هاپ دارد.
سبک Jazz rap در اوایل سال ۲۰۰۰ محدودیت های نمونه برداری از Vinyl و beat سازی که در Boom-bap وجود داشت را پشت سر گذاشت و با به کار گیری تکنیکهای بیشتر در beat سازی و همچنین ترکیب شدن با قافیه های پیچیده در شعر و در همچنین صدایی متفاوت از درام جای خود را در موسیقی هیپ هاپ باز کرد. دو آرتیست یعنی J Dilla و MF DOOM در این ژانر چهره هستند. همچنین آرتیست هایی از جمله Karriem Riggins، Knxwledge، Anderson .Pak

Trap
یکی از ژانرهای هیپ هاپ که امروزه بسیار میشنوید ، Trap است. سبک Trap زیرشاخه های بسیار زیادی دارد. اما به طور کلی ، این سبک از آتلانتا امریکا آغاز شد و تولیدکنندگانی مانند Metro Boomin و Zaytoven پیشگام آن بودند. از ویژگی های بارز Trap می توان به استفاده گسترده از بوم بیس های 808 ، همچنین HiHats های فوق العاده سریع و نوع خواندن خواننده کرد.
ژانر Trap نوعی مدرن از موسیقی هیپ هاپ است، خصوصاً به این دلیل که با کمک DAW (نرم افزارهای آهنگسازی) مدرن ، ساختن این نوع موسیقی را راحت تر کرده است. آرتیست هایی از جمله : Gucci Mane, Future, Megan Thee Stallion

Mumble rap
کلمه Mumble به معنی مِن مِن کردن است و برای برخی از هنرمندان تا حدی اصطلاحی تحقیرآمیز است. اما از بسیاری جهات ، این یک توصیف منصفانه از یک سبک رپ خاص است که هم اکنون محبوب است. این ژانر شاخه ای از Trap بوده که نوع قافیه بندی در آن منحصر به فرد است. آرتیست هایی از جمله : Young Thug, Lil Yachty, 645AR

Rap rock
ترکیبی از انرژی ولتاژ بالای موسیقی راک و هیپ هاپ است. این ژانر در اواخر دهه ۹۰ میلادی مانند Beastie Boys و Run DMC ریشه می گیرد اما با هنرمندان دهه ۲۰۰ مانند Linkin Park به محبوبیت میرسد. این سبک اغلب از سبک punk و rock الهام میگیرد ولی فضاهایی خالی برای ورس های رپ در نظر گرفته میشود. آرتیست هایی از جمله : Linkin Park, Rage Against the Machine

Country trap
سبک Country trap ژانر نسبتاً جدیدی است و ارتباطات آشکاری با Pop-country دارد. هم اکنون در موسیقی Country مدرن نشانه های زیادی از تولیدی های سبک Trap وجود دارد ، اگر با دقت گوش کنید صدای Hat و Clap های 808 را در بسیاری از موسیقی های Pop-country میتوانید بشنوید. آرتیست هایی از جمله : RMR, Little Nas X

Gangsta rap
یکی از زیر ژانرهای Boom-bap در اواخر دهه ۹۰ و اوایل ۲۰۰ است.این زیر ژانر به خاطر محتوی و شعر ، جنبه های ناخوشایند زندگی در خیابان ها را توصیف می کند. همچنین ، Gangsta rap اغلب از استرینگ و سمپلهای ارکسترال موسیقی که در سبک کلاسیک و جاز وجود دارد ، استفاده میشود. آرتیست هایی از جمله : Jedi Mind Tricks, Geto Boys

@HipHop_Tak باز کردن / نظر دهید

2021-08-16 22:31:07
راک (Rock)

راک یکی از محبوب ترین و پرکاربردترین ژانرهای موسیقی است که زیرشاخه های متعددی از آن پدید آمده است. ریشه های راک را می توان در آهنگ های اواخر دهۀ ۱۹۴۰ که حاوی المان های جامپ بلوز و سوئینگ بود و تا حدودی نقش گیتار الکتریک که از سبک شیکاگو بلوز گرفته شده بود در آن وجود داشت جستجو کرد. با اینکه اصطلاح «راک» که در ابتدا توسط هنرمندان بلوز در اواخر دهۀ ۱۹۳۰ برای توصیف نسخۀ پرطرفدار آهنگ های خود که تمپوی سریع تری داشت به کار رفت تا اواخر دهۀ ۱۹۴۰ به طور گسترده به کار نرفت.راک در شکل اصلی خود نوعی موسیقی مبتنی بر آواز بود که معمولاً از یک ساختار ورس (Verse) کورس (Chorus) با یک ریتم بک بیت و به کار گیری گیتار الکتریک به شکلی سریع تر و خشن تر از ژانرهای قبلی تشکیل شده است. ساختار راک و صدای آن مبتنی بر گیتار الکتریک و گیتار بیس است. ریتم آهنگ غالباً توسط درامز تولید می شود ولی گاهاً خودِ گیتار هم برای این کار مورد استفاده قرار می گیرد.با این حال، موزیسین های راک این ساختار بیس را در تمام آهنگ های خود تجربه کرده اند؛ بنابراین باندهای مختلف موسیقی راک اشتراکات زیادی با هم دارند. موسیقی راک از ابتدا جنبه های ضد فرهنگی را با هدف خدمت به شورش ها و اعتراضات هدف قرار داده که البته با ترویج راک، اهمیت این ویژگی کمرنگ تر شده است. راک در جنوب ایالات متحده به وجود آمد و در دهۀ ۱۹۵۰ با دو شکل اصلی R&B و Rockabilly به محبوبیت رسید. راک اند رول برای توصیف آهنگ های ساخته شده توسط موزیسین های سیاه پوست همچون لیتل ریچارد و چانک بری به کار می رفت که با تمپوی سریعی R&B را اجرا می کردند و برای این کار از گیتار الکتریک، آمپلی فایر و میکروفون بهره می بردند. Rockabilly برای توصیف موزیسین های جوان وسترن سوئینگ به کار می رفت که R&B را در شکل سرعتی متأثر از موسیقی کانتری اجرا می کردند.این اصطلاح بیشتر به موزیسین های سفید پوستی مثل کارل پرکینز اطلاق می شود و با آهنگ های الویس پرسلی به محبوبیت رسید. محبوبیت راک در اواخر دهۀ ۱۹۵۰ و اوایل دهۀ ۱۹۶۰ کاهش یافت چون در این مقطع، موسیقی پاپ طرفداران بیشتری پیدا کرده بود. ولی توسعۀ زیرسبک های راک مثل گاراژ راک و سارف راک تا حدودی محبوبیت از دست رفته را جبران کرد و این ژانر را از یادها نبرد. موسیقی راک در انگلستان از اسکیفل که یک ژانر مشتق یافته از جز و فولک است به وجود آمد. در دهۀ۱۹۶۰ به راه افتادن رویدادی فرهنگی تحت عنوان British Invasion از سوی باندهای موسیقی Rolling Stones و Beatles کمک کرد تا مجددا توجه عمومی به این ژانر برگردد. این گروه ها تمایل داشتند عناصر بلوز و راک آمریکایی را بازسازی کنند و آنها را با موسیقی محبوب انگلستان مثل موسیقی بیت و مود که موجب تاثیر متقابل بین ایالات متحده و انگلیس می شد ادغام کنند.

در طول دهۀ ۱۹۶۰، موسیقی راک، پا را از ریشه های سنتی خود فراتر نهاد و استفاده از جنبه های غیرمتعارف گیتار مانند افکت ها و دیستورشن را، تا آنجا ادامه داد که راک از سبک ابتدایی خود فاصله زیادی گرفت. با تجاری شدن راک، سبک پاپ راک به عنوان نسخه ای محبوب و قابل دسترس در رادیو استفاده شد. همچنین در دهۀ ۱۹۶۰ پیشرفت های زیادی در فولک راک به وجود آمد که به طور گسترده ای در اعتراضات سراسر جهان به کار رفت و به دنبال آن ساکالوژیک راک که تحت تاثیر داروهای روان گردان تحت عنوان هَلوسینوژنیک قرار داشت به وجود آمد. علاوه بر این در دهۀ ۱۹۶۰ راک پروگرسیو شکل گرفت و استفاده از تجهیزات دیگر موسیقی مثل کیبورد و همچنین ترانه های پیچیده تر رواج یافت.


اسکا (Ska)

اسکا نوعی موسیقی است که در اواخر دهۀ ۱۹۵۰ در جامائیکا از دو سبک جز و ریتم اند بلوز (به طور خاص R&B نیواورلئان و جامپ بلوز) و ترکیبی از سبک های محلی منتو و کالیپسو به وجود آمد. نسخۀ اصلی اسکا به عنوان یک سبک موسیقی متمرکز بر ریتم های آف بیت شناخته می شود که از horn section ها، busy bass lines و هارمونی نرم وکال بهره می گیرد.

در اواسط دهۀ ۱۹۶۰ اسکا در ترکیب با سبک های دیگری مثل سول ژانر Rocksteady را به وجود آورد. گسترش این ژانر در کنار توسعۀ خودِ اسکا باعث به وجود آمدن ژانر دیگری به نام رگه در اواخر دهۀ ۱۹۶۰ شد. در دهۀ ۱۹۷۰ موزیسین های بریتانیایی که سال ها در گسترش اسکا فعالیت کرده بودند نوعی دیگری از این ژانر تحت عنوان Tone 2 پدید آوردند.

به دنبال آن در اواسط تا اواخر دهۀ ۱۹۸۰ باندهای موسیقی در شمال آمریکا دوباره این سبک را -متاثر از ۲ tone – با هدف ساخت موج سوم اسکا جان دوباره دادند. ماحصل تمام این فراز و فرودها این شد که اسکا به یک پدیدۀ جهانی بدل شد و سبک های مختلفی از دل آن بیرون آمد. تمام ژانرهای اسکا مبتنی بر آف بیت ها هستند و تمایل زیادی به استفاده از گیتار در فرم chop-style دارند. اسکا با تمپوی مناسبی برای رقص نواخته می شود.

@HipHop_Tak باز کردن / نظر دهید

2021-08-16 22:31:04
در اوایل دهۀ ۱۹۵۰، واژۀ فوق سبک های دیگری چون جامب بلوز، اشکال اولیۀ راک اند رول را هم در بر می گرفت. ولی چیزی که امروز بیش از بقیه آر اند بی خوانده می شود سبک هایی چون شکل اولیۀ ریتم اند بلوز، doo-wop و آر اند بی نیوئورلئان است. با روی کار آمدن سبک هیپ هاپ در دهۀ ۱۹۹۰، چتر گسترده ای که واژۀ R&B روی انواع آهنگ های آفریقایی-آمریکایی افکنده بود به زمین افتاد. گرچه این ژانر در کنار هیپ هاپ به گسترش خود ادامه داد ولی باز هم گهگاهی این تاثیر در قالب ژانرهای ترکیبی جدیدی مثل New Jack Swing نمایان می شد.

ریتم اند بلوز، سول و فانک ژانرهایی بودند که تحت تاثیر موسیقی آمریکایی به ایجاد سبک های دیگری مثل بریتیش ریتم اند بلوز، لاتین سول و آفروبیت کمک کرد. آر اند بی همچنین تاثیری زیادی روی سبک پاپ و دیسکو گذاشت. گفتنی است که واژۀ ریتم اند بلوز و مخفف آن R&B هر دو برای اولین بار در سال های پایانی دهۀ ۱۹۴۰ توسط بازاریابان برای اشاره به موسیقی سیاهان آمریکایی باب کرد.

این اصطلاح به عنوان جایگزینی برای race music استفاده شد که تا آن زمان برای اشاره به سبک موسیقی عامه پسند سیاهان آمریکا رواج داشت. ولی بعدها حالت مخفف، غالباً برای شکل معاصر R&B به کار رفت. بعلاوه این گفته که آر اند بی شامل سول و فانک می شود، دیگر به طور گسترده مورد قبول نیست و آن را کاملاً سبک مجزایی می دانند. آنچه مسلم است تاریخچۀ نمودارهای مجلۀ بیلبورد است که سردرگمی زیادی برای مخاطبان به وجود آورد. به هر حال، امروزه R&B به شکل معاصر آن گفته می شود و کمتر به نسخه های اولیه در دهۀ ابتدایی آن اشاره دارد.

موسیقی منطقه ای (Regional Music)

موسیقی منطقه ای به سبکی از موسیقی اشاره دارد که سنت های فرهنگی خاص یک منطقه را منعکس می کند. ژانرهای موسیقی، زمانی منطقه ای بودن خود را از دست می دهند تا به چارچوب های فرهنگی و سلیقۀ افراد آن ناحیه مقید نباشند. هر موسیقی محلی بنا به نوع مخاطبان، متعلق به منطقه خاصی است. به همین دلیل موسیقی منطقه ای، موسیقی فولکور یا سنتی یا هر موسیقی دیگری که غنای فرهنگی زیادی در آن نهفته را شامل می شود.

سِیر موسیقی منطقه ای از موسیقی ابتدایی و تاریخی آغاز می شود و راه خود را از میان ساختارهای پیچیده تری چون موسیقی فولکور، کلاسیک منطقه ای (کلاسیک عربی، کلاسیک هندوستان، کلاسیک ژاپنی و …) به سبک های مدرنی که اساس آن ها موسیقی سنتی است مثل کیپ وردی، کالیپسوی کارائیب، ام پی بی برزیل، رومبا کانالانای اسپانیایی و … باز کرده است.

موسیقی جهانی محدود به یک منطقۀ خاص نیست. با این حال سبک جهانی در شکل ابتدایی خود تکامل یافتۀ موسیقی منطقه ای به ویژه موسیقی آمریکایی و اروپایی است که مثال مشهورش آهنگ های کلاسیک وسترن، بلوز و جز است. با اینکه این سبک ها ریشه های تاریخی در موسیقی سنتی دارند ولی به عنوان یک مفهوم جهانی ادراک می شوند و از حالت منطقه ای خارج شده اند.

از آنجایی که جهانی شدن به شدت تحت تأثیر فناوری است، پیشرفت های تکنولوژیک نقش مهمی در تمایز موسیقی منطقه ای و جهانی ایفا می کنند. موسیقی منطقه ای معمولاً از سازهای سنتی مانند بانجو، بالالایکا، سی تار و آکاردئون استفاده می کند؛ در حالی که موسیقی جهانی به طور گسترده ای از ابزارهای مدرن و الکترونیک همچون بیس، گیتار الکتریک، درام ماشین، سینتی سایزر و بسیاری از تجهیزات الکترونیکی دیگر استفاده می کند. بعضی از سازها به خصوص آن هایی که ارتباط نزدیکی با موسیقی وسترن کلاسیک دارند (پیانو، ویولون، کلارینت و …) در هر دو سبک منطقه ای و جهانی و ژانرهای زیرمجموعه کاربرد دارند.

جدا از بحث ابزار، موسیقی منطقه ای تاکید ویژه ای روی تکنیک های سنتی آواز مثل یودلینگ، آواز خواندن از گلو، جوبک یا آواز پلی فونیک دارد. به علاوه، در طول سال های متمادی، در مناطق متعدد ریتم های جدید، مقیاس های زمانی و ساختارهای متنوع موسیقی به وجود آمده اند. به عنوان مثال Shomyo, Gagaku و تعدادی دیگر از سبک های متداول در موسیقی ژاپن از گام yo استفاده می کنند. گام های منحصر به فرد دیگری نیز در موسیقی ژاپن وجود دارند. این ویژگی ها در کنار ابزار و سبک آواز نمایانگر این است که ژانرهای منطقه ای چیزی بیشتر از صرفاً یک دسته بندی سادۀ جغرافیایی است.

گرچه موسیقی منطقه ای خلاف موسیقی جهانی است اما حجم قابل توجهی از انواع موسیقی وجود دارد که ترکیبی از هر دوی آنهاست. زیرشاخه های محلیِ ژانرهای جهانی در صورتی که از المان های منطقه ای مثل آفرو جاز، فانک لاتین، پاپ عربی و نظایر آن استفاده کنند جزو همین دسته محسوب می شوند.

@HipHop_Tak باز کردن / نظر دهید